Rinaldo Frattolillo | Una vita per l’arte

Una vita per l’arte

Rinaldo Frattolillo, dall’amicizia con Andy Warhol all’esordio ad Arte Laguna Prize a 90 anni

Vi presentiamo Rinaldo Frattolillo, artista americano di origine italiana scelto tra i finalisti del Premio Arte Laguna XVII edizione nella sezione fotografia. Dopo aver esposto negli anni Sessanta a New York con Andy Warhol e Peter Max, ha debuttato a Venezia a quasi 90 anni. Visto l’avvicinarsi del suo compleanno, scopriamo di più sulla vita e sul lavoro di questo interessante artista.

Compirà 90 anni il prossimo 3 luglio: può fare un resoconto della tua carriera artistica?

All’inizio degli anni ’60 l’impatto della pubblicità creativa sull’America era incredibile e così sono stato influenzato a fare della pubblicità la mia carriera. Sono stato assunto dalle principali agenzie di New York e Chicago, come JWT e Lee King & Partners. Ho ricevuto premi dall’American Institute of Graphic Arts, dall’Art Directors Club di New York e dall’Art Directors Club di Chicago. La mia creatività e il mio modo di pensare si sono diffusi nel mondo dell’arte e del design e ho studiato all’Art Students League, alla Parsons School of Design e alla School of Visual Arts, dove insegnava Tony Paladino. Era un noto graphic designer e un mio amico e mentore di lunga data. L’obiettivo era sempre quello di divertire e far riflettere. Le mie basi artistiche si sono fondate su questo principio di pensiero concettuale e dimensionale: bisogna pensare all’idea e allo spazio che l’idea occupa. Una delle mie prime sculture è stata “Apartheid” del 1961, un pezzo quadrato di marmo nero incatenato a una base di granito bianco. Lavoro con diversi media, dalla scultura alla fotografia, alla pittura e all’illustrazione. Ho anche progettato mobili contemporanei (che mi piace chiamare Functional Art) che sono stati esposti al MoMa, allo showroom di mobili Beylerian e alla Elizabeth Weiner Gallery, oltre che sul New York Times, che ha scritto: “Era difficile decidere se il lavoro di [Frattolillo] fosse una scultura o un mobile”. Attualmente sono rappresentato da Kempner Fine Arts a New York.

La sua prima mostra è stata all’Archivio Bettmann nel 1961, insieme a Andy Warhol e Peter Max. Ha qualche ricordo particolare di questi due artisti leggendari e dell’atmosfera dinamica della New York di quegli anni?

New York si sentiva come se fosse sempre in ascesa, qualcosa stava sempre accadendo, qualche nuovo locale stava sempre nascendo e la città si stava sempre riprendendo da se stessa. Ho conosciuto Peter Max durante un corso di disegno alla School of Visual Arts e da allora siamo sempre stati molto amici. È stato Peter a organizzare la mostra con Warhol. Quando Warhol arrivò a New York, tutto cambiò. Aveva anche un ottimo tempismo. Ha influenzato il modo in cui la gente guardava all’arte. Sono sempre stato colpito da quanto Warhol e Peter fossero generativi. Gli anni ’60 fino alla metà degli anni ’80 sono stati una lunga festa. La scena artistica era intrecciata con quella dei club. Era vibrante, viva e sensuale. Posti divertenti come la Danceteria e le bettole piene di hippie come il Max’s Kansas City (o come lo chiamava Peter il Max’s … Canvas City). C’erano eventi all’Ambasciata d’Italia, con mondanità, accompagnatori e scagnozzi. E poi c’era lo Studio 54. Di solito si poteva trovare Warhol a cena da Mr Chows sulla 57a strada. Dopo la morte di Warhol, nel 1987, fu come se la festa fosse finita e le cose cominciassero a cambiare. Ricorderò sempre quando Warhol si fermava nel mio ufficio alla Hockaday Advertising di New York nei primi anni ’60, dove lavoravo come giovane art director per disegnare le copertine dei libri, ed era sempre curioso di sapere cosa stavamo facendo. Una volta gli diedi una scatola di fiammiferi dalla mia scrivania con l’illustrazione di una donna prima e dopo una plastica al naso, e qualche mese dopo ne fece una grande serigrafia. Era molto veloce. È quello che ha sempre fatto.

Nella sua pagina personale di Arte Laguna World, afferma: “il mio lavoro consiste nel contrapporre una parola, un pensiero o un materiale per visualizzare un’idea”. Cosa intende con questo principio e come si realizza nella sua arte?

Mi approccio al mondo in modo contraddittorio. Mi piace mettere la scarpa sull’altro piede, capovolgere qualcosa. Metto in discussione il modo in cui guardiamo il mondo e faccio rivivere nel mio lavoro le intuizioni e le ironie che mi divertono. Per esempio, la mia scultura “Love/Hate” (1997) è costituita da due parole su un pezzo di vetro trasparente che evocano la natura complessa di una relazione di amore/odio e il modo in cui possiamo avere due punti di vista contraddittori nella nostra mente allo stesso tempo. Oppure la mia scultura “Inverted” (2010), che è lo spazio negativo del busto di un uomo e mette in discussione le nostre idee sulla cosiddetta forma maschile.

La sua opera d’arte “Guilty” è una rappresentazione significativa del sistema giudiziario e risale al 1965. Può parlarci del processo creativo di questa fotografia e del messaggio sotteso, anche alla luce degli eventi attuali (il movimento Black Lives Matter, per citare un esempio)?

Sono stato ispirato all’epoca dal Movimento per i diritti civili dei primi anni ’60, volevo semplicemente contribuire a far riflettere i bianchi su come i neri potessero sentirsi in questo Paese. Mettendo in modo rappresentativo la scarpa sull’altro piede. Decenni dopo, in seguito alle rivolte seguite all’omicidio di George Floyd, ho deciso di aggiornare la foto aggiungendo un altro livello. Aggiungendo un mezzo sopra un altro. Ho dipinto l’uomo bianco con una tuta arancione per sottolineare l’idea della criminalità dell’uomo bianco. Per attirare l’attenzione sulla continua disuguaglianza del sistema giudiziario e sull’insorgenza ancora molto presente della supremazia bianca in questo Paese. Black Lives Matter!

Il suo nome rivela chiaramente un’origine italiana. Desidera condividere la sua storia familiare

Mio nonno paterno Vincenzo Frattolillo lasciò Napoli nel 1890; sia mia madre che mio padre erano italoamericani di prima generazione. Sono nato durante la Grande Depressione. Non sapevo che fossero tempi duri, ma ricordo che i miei genitori mi dicevano che erano tempi duri. La mia scuola elementare era la P.S. 1 (ora MoMa PS1) a Long Island City. Crescendo negli anni ’30 e ’40, i miei genitori rifiutarono la loro identità italiana per assimilarsi alla cultura americana. Io ho scelto di riabbracciare il mio retaggio italiano.

Quale valore ha per lei il fatto di esporre in Italia e, in particolare, a Venezia?

Sono orgoglioso di esporre le mie opere nella capitale artistica del mondo. Per celebrare la mia ascendenza italiana, sono commosso dall’esporre le mie opere a Venezia, in Italia.

Come è venuto a conoscenza di Arte Laguna Prize e come si è sentito quando è stato selezionato?

Mi sono candidato in risposta a un messaggio di Call for Entry che ho ricevuto via e-mail. Sono stato molto felice di essere stato selezionato e di aver fatto parte di questa mostra con altri artisti provenienti da tutto il mondo.

In conclusione, ha un desiderio da esprimere per il suo compleanno?                                                                                           100!